Programmes principaux – cour de 8 semaines
À partir du 2 Sept!
Petits groupes -> Places limitées
5333 Ave Casgrain, Montreal, 9e étage
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Espace d’atelier | Processus + travail
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Pratiques en atelier de dessin et de peinture qui développent la maîtrise technique tout en cultivant une manière de voir plus lente, plus attentive et élargie.
PRATIQUES DE DESSIN ET DE PEINTURE – 8 SEMAINES
Pratique structurée du dessin et de la peinture dans laquelle le développement technique, la compréhension des matériaux et l’expansion de la perception sont abordés comme un seul mode de travail intégré.
Chaque programme de 8 semaines est conçu comme une progression en atelier qui combine instruction, observation et pratique perceptive guidée. Les étudiant·e·s sont accompagné·e·s dans le développement à la fois de leurs compétences et de leur sensibilité visuelle à travers un engagement soutenu avec les matériaux et le processus.
Les cours sont donnés en anglais.
APERÇU
Ces programmes ne sont pas organisés selon des niveaux débutant, intermédiaire et avancé. Les participant·e·s entrent plutôt par différents modes d’engagement — technique, contextuel ou perceptif — et développent leur pratique à travers une exploration progressive et superposée.
Tous les niveaux d’expérience sont les bienvenus. L’accompagnement est adapté à la pratique, à l’expérience et à la direction de chaque participant·e.
PARCOURS PEINTURE
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Description du cours :
Ce cours aborde la peinture comme une pratique de l’attention, de la perception et de la conscience des matériaux. Sur huit semaines, les étudiant·e·s développent des compétences techniques en matière de geste pictural, de mélange des couleurs, de texture, de composition et de portrait, tout en intégrant des méditations guidées et des processus réflexifs qui soutiennent des modes de travail plus lents et plus attentifs. Chaque séance combine des exercices techniques structurés avec des explorations intuitives et perceptives, en alternant observation, mémoire et construction imaginative. La peinture est abordée à la fois comme matière physique et comme champ d’expérience réceptif, permettant de comprendre comment le geste, la couleur et la surface interagissent avec l’émotion et la perception. Les références historiques et conceptuelles couvrent les systèmes de théorie des couleurs, les traditions de nature morte, les pratiques du portrait, les modes de représentation symbolique et archétypale, ainsi que les approches contemporaines de la peinture basée sur le processus. Ces cadres sont utilisés comme outils d’élargissement de la compréhension de l’image plutôt que comme modèles stylistiques fixes. À la fin du cours, les étudiant·e·s produisent une peinture finale dite « peinture de l’âme » qui intègre maîtrise technique et réponse intuitive, soutenue par une attention prolongée et une pratique réflexive. Le cours met l’accent sur la peinture comme manière de voir, de ressentir et de construire du sens à travers l’engagement matériel dans le temps. Plan du cours :
Semaine 1 : Manipulation du pinceau et jeu intuitif de la couleur Les étudiant·e·s commencent par les bases du geste pictural et de la manipulation de la peinture. L’accent est mis sur la conscience de chaque levée et pose du pinceau, afin de développer une relation lente et attentive à l’action. La couleur est choisie de manière intuitive, avec des exercices en mouillé sur mouillé, à sec, et en transitions de dégradés, afin d’affiner la sensibilité au comportement de la peinture. Semaine 2 : Mélange des couleurs et systèmes de relation Les étudiant·e·s travaillent avec les modèles chromatiques RYB et CMY afin de comprendre les relations structurelles entre les teintes. Le mélange des couleurs est exploré par expérimentation directe, avec une attention portée aux variations subtiles de ton, de température et de réponse émotionnelle. La réflexion met l’accent sur la perception, la nuance et l’affect. Semaine 3 : Texture, geste et peinture par formules La texture devient un langage perceptif. Les étudiant·e·s créent de petites « cartes de texture » documentant surface, geste et réponse émotionnelle. Ces cartes fonctionnent comme un jeu : elles sont mélangées et tirées pour générer une « peinture par formule », combinant hasard, structure et intuition. La réflexion inclut la conscience corporelle et les associations de sens. Semaine 4 : Critique, perception et forme construite Les étudiant·e·s analysent les peintures par formules afin d’examiner la relation entre intention et résultat. Le cours se poursuit avec la peinture de formes géométriques simples en deux couleurs, en utilisant différentes textures et modes de manipulation de la peinture. Un objet naturel est introduit comme ancrage perceptif pour l’observation et la réponse. Semaine 5 : Nature morte et composition intuitive Les étudiant·e·s construisent une nature morte à partir d’objets personnels apportés de chez eux. L’accent est mis sur la composition émotionnelle plutôt que formelle. La peinture est abordée comme une observation prolongée des relations entre objets, mémoire et perception. Semaine 6 : Portrait et proportion imaginée Les étudiant·e·s étudient la structure du visage à travers un mappage lent des proportions et le mélange des tons de peau. Parallèlement à l’étude d’observation, ils développent un portrait imaginé basé sur des qualités archétypales, en combinant structure et construction intuitive. Semaine 7 : Portrait, étude au miroir et connexion perceptive Les étudiant·e·s travaillent à partir de miroirs ou de références photographiques, accompagnés d’une méditation préparatoire centrée sur la présence et la perception. Le processus du portrait est guidé par l’attention soutenue, la tonalité émotionnelle et une lecture interprétative plutôt que par la précision littérale. Semaine 8 : Peinture de l’âme et pratique intégrée Les étudiant·e·s commencent par une méditation prolongée, de l’écriture réflexive et du mouvement afin d’identifier les états internes et les besoins du moment. Le reste de la séance est consacré à une seule session de peinture ouverte qui intègre l’ensemble des techniques explorées au cours des semaines précédentes. L’accent est mis sur l’intuition, la présence et la réceptivité matérielle. Description du cours :
La peinture est ici abordée comme une pratique d’atelier qui explore la perception comme un champ relationnel entre l’attention intérieure et l’environnement extérieur. Elle n’est pas envisagée comme production d’images, mais comme une manière d’observer comment la conscience se transforme à travers le corps, la matière, l’atmosphère et le temps. Chaque séance est structurée autour de pratiques guidées d’attention, de pauses intentionnelles et d’un travail soutenu en atelier sur des projets développés individuellement. Les étudiant·e·s viennent avec leurs propres idées, matériaux et orientations, tandis que le cours fournit un cadre pour comprendre comment la perception se cultive pendant le processus de création. Tous les niveaux d’expérience sont les bienvenus, et un accompagnement technique ainsi que des apports contextuels sont proposés tout au long de chaque séance en fonction de l’évolution des projets. L’attention est régulièrement interrompue puis renouvelée à travers des moments de recentrage chronométrés, invitant les étudiant·e·s à observer leurs sensations corporelles, leur état émotionnel, leurs pensées et l’influence de l’environnement pendant qu’ils et elles travaillent. Le cours inclut également des pratiques de conscience liées aux cycles naturels, notamment l’observation du ciel, la perception atmosphérique et le rythme lunaire. Les étudiant·e·s tiennent un « journal d’interconnectivité » hebdomadaire, dans lequel ils et elles consignent des moments de coïncidence, de résonance ou d’alignement subtil entre leur état intérieur et le monde extérieur. La question centrale du cours est la suivante : la perception n’est jamais isolée — elle est continuellement façonnée par le corps, l’environnement, l’atmosphère et l’attention elle-même. Plan du cours :
Semaine 1 : Ancrage et arrivée dans le corps du travail Les étudiant·e·s établissent l’ancrage comme point d’entrée dans la peinture, en apprenant à stabiliser l’attention dans le corps avant de commencer à travailler. L’accent est mis sur l’observation de la vitesse mentale habituelle, de la présence physique, et sur la manière dont la perception est immédiatement façonnée par l’environnement, la lumière et l’atmosphère. Semaine 2 : Rappel de l’énergie (retrouver l’attention) Les étudiant·e·s apprennent à observer les moments où l’attention quitte le corps pendant le processus de création, puis à la ramener dans une conscience du présent. L’accent est mis sur la réduction de la fragmentation de l’attention et sur la reconnaissance des influences externes et des schémas de pensée internes qui éloignent la perception du travail. Semaine 3 : Expansion ancrée (flux cosmique et stabilité) L’attention est entraînée à s’ouvrir à l’intuition, à l’imagination et à la perception de l’environnement tout en restant ancrée dans le corps. Les étudiant·e·s explorent comment les variations d’atmosphère, de lumière et d’état intérieur peuvent être accueillies sans perdre en clarté ni en stabilité. Semaine 4 : Présence relationnelle (influences guidantes de la perception) Les étudiant·e·s développent une conscience des impulsions internes qui guident le processus de création, en apprenant à distinguer intuition, mémoire et projection comme expériences perceptives plutôt que comme vérités fixes. L’attention est également portée sur la manière dont les variations subtiles de l’environnement influencent les décisions en temps réel. Semaine 5 : Perception du champ (auras comme limites sensorielles) La perception est étendue à l’espace autour du corps et de la peinture, en considérant l’attention comme un champ en constante transformation plutôt qu’un point fixe. Les étudiant·e·s observent comment la tonalité émotionnelle, l’atmosphère et la conscience spatiale influencent les contours de la perception pendant le travail. Semaine 6 : Structures de protection (stabilité dans les processus profonds) Les étudiant·e·s développent une stabilité intérieure face à l’incertitude, l’intensité et la complexité de leurs peintures. L’accent est mis sur le maintien d’une attention claire et de limites énergétiques stables tout en restant engagé·e·s dans un travail en évolution. Semaine 7 : Intégration des systèmes perceptifs (multi-couches de conscience) Tous les modes d’attention précédents sont maintenus simultanément pendant le travail, les étudiant·e·s intégrant corps, émotion, matière et environnement comme un système perceptif continu. L’accent est mis sur la capacité à rester présent dans la complexité sans réduire ni simplifier l’expérience. Semaine 8 : Pratique du champ unifié soutenu (continuité de la perception) Les étudiant·e·s maintiennent une conscience ininterrompue pendant le processus de création, intégrant l’ensemble des pratiques précédentes dans un état continu de travail. La peinture devient un enregistrement de la perception soutenue, où attention, corps, émotion et environnement ne sont plus séparés mais vécus comme un seul champ. Description du cours :
Ce cours aborde la peinture comme une pratique perceptive vivante qui se déploie à travers l’histoire, l’intuition et la transformation de la matière. Nous commençons avec les premières traces de création d’images, puis traversons des systèmes symboliques, des traditions visionnaires, la peinture atmosphérique, l’expérimentation matérielle, les études perceptives et enfin l’abstraction comme manière de travailler avec des forces visibles et invisibles. Plutôt que de considérer la peinture comme une simple représentation, le cours la situe comme une pratique de l’attention, de la sensation et de la recherche sur la manière dont les images se forment à travers la couleur, la lumière, la surface et le comportement des matériaux. Le cours est ouvert à tous les niveaux et accompagne autant les débutant·e·s que les peintres plus avancé·e·s à travers des processus d’expérimentation structurés et un travail d’atelier élargi. Chaque séance suit un rythme constant : une méditation guidée et des exercices de mouvement associés à une intention lunaire, une courte introduction historique et visuelle, une longue session de peinture en atelier, puis un temps final de réflexion et de discussion. Cette structure crée un équilibre entre pratique matérielle ancrée et ouverture perceptive élargie. Plan du cours :
Semaine 1 : Traces préhistoriques On commence avec les premières traces peintes retrouvées dans les grottes et les environnements rituels. La peinture est abordée comme contact, pigment, geste et présence, où image et surface sont indissociables. Semaine 2 : Systèmes sacrés de la couleur À travers les cultures, la couleur a fonctionné comme bien plus qu’un élément décoratif : elle porte des significations symboliques, spirituelles et cosmologiques. Les étudiant·e·s explorent la couleur comme langage, en travaillant avec des palettes limitées et des relations intentionnelles entre teinte, valeur et émotion. Semaine 3 : Lumière médiévale et icônes La peinture devient un vecteur de lumière, de contemplation et de dévotion. Les étudiant·e·s explorent la luminosité, la superposition et l’espace symbolique, en étudiant comment la couleur et la surface peuvent suggérer des réalités au-delà de la perception ordinaire. Semaine 4 : Atmosphère romantique L’attention se déplace vers l’émotion, le climat, le paysage et le sublime. À travers la peinture, les étudiant·e·s explorent l’atmosphère, l’humeur et la dissolution de la forme solide dans la lumière, la distance et la sensation. Semaine 5 : Symbolisme et peinture visionnaire Le mythe, le rêve, la mémoire et le symbolisme personnel deviennent des sources de création. Les étudiant·e·s développent des peintures qui dépassent l’observation pour entrer dans des espaces imaginaires, psychologiques et symboliques. Semaine 6 : Peinture de processus et agentivité de la matière Le contrôle est relâché et la peinture devient un acteur à part entière du travail. Par le coulage, le grattage, les couches, les taches et l’expérimentation, les étudiant·e·s explorent comment les matériaux peuvent générer des directions et des découvertes inattendues. Semaine 7 : Nouveaux matérialismes et perception La peinture est abordée comme une relation entre le corps, la matière, l’environnement et l’attention. Les étudiant·e·s étudient la perception, l’émergence et les manières dont le sens peut naître du processus, de l’interaction et de l’observation soutenue. Semaine 8 : Abstraction spirituelle La peinture s’étend au-delà de la représentation vers la couleur, le geste, le rythme et la forme énergétique. Les étudiant·e·s intègrent les thèmes du cours dans une œuvre abstraite qui reflète leur relation évolutive à la perception, à la matérialité et à la création d’images. |
RÉSULTATS DES PROGRAMMES
À travers les cours de 8 semaines, les étudiants peuvent s’attendre à développer :
- Des compétences techniques en dessin ou en peinture
- Une observation visuelle et une sensibilité aux matériaux plus développées
- Une plus grande confiance dans la création d’images personnelles
- Une manière de voir plus attentive et élargie
- Une pratique en atelier soutenue, fondée à la fois sur la structure et l’intuition
PARCOURS DESSIN
Veuillez noter qu’en raison du très grand intérêt pour les cours de peinture, le volet dessin est actuellement en pause. Si vous souhaitez demander un cours de dessin, n’hésitez pas à m’envoyer un courriel. Merci beaucoup de votre compréhension :)
